Hans-Sachs-Chor Nürnberg

Aktuelle Pressestimmen

NZ

03.12.2019

..."Die Symphoniker mit dem Hans Sachs Chor und der Schola Cantorum Leipzig unter der stets souveränen Leitung von Guido Johannes Rumstadt setzen musikalisches Pathos nur dann ein, wenn es unbedingt erforderlich ist, verstehen es aber, speziell im dritten und sechsten Satz, Spannung aufzubauen und behutsam zum Höhepunkt zu steigern."

Nürnberger Nachrichten

03.12.2019

"Rumstadt nützt die Chancen der großen Chorbesetzung für differenzierte Dimensionen, nur wenige Male zu monumentalen Ausbrüchen in extremer Klangfülle, die er aber immer schnell wieder zurücknimmt. Das ist sehr überzeugend in dieser Aufführung, die aus dem Vollen schöpfen kann, sich aber nie übernimmt. Die Symphoniker spielen durchwegs spannungsreich, die vielbeschäftigte Pauke ist wie ein ablaufendes Uhrwerk, wie stockender Herzschlag. In dem vielgestaltigen Chor Nr. 2 realisiert die Wiedergabe eine geradezu skulpturenhafte Plastizität und widersteht allen Versuchungen zu opernhaft Aufgedonnertem."

Uwe Mitsching

Nürnberger Nachrichten

26.03.2019

"....und der Chor darf die Glocken singen, die Engel im Kampf mit Luzifer unterstützen, die dörfliche Idylle und einen Pilgerchor gestalten: Der Hans-Sachs-Chor setzt sich flexibel und klangschön für alles ein, auch mit Einzelaufgaben für Frauen- und Männerchor, und in sanftem Piano strömt eine Dämmerschoppen-Hymne in bescheidenem a-cappella dahin. Exakt kalkuliert und wirkungsvoll sind die mächtigen Crescendi oder der aus der Ferne heranziehende Pilgerchor gen Rom."

Uwe Mitsching

Nürnberger Nachrichten

27.11.2018

Ohne Trauerrand, Hans-Sachs-Chor mit dem Hochschulorchester Zum zweiten Mal kooperierten das Hochschul-Sinfonieorchester und der Nürnberger Hans-Sachs-Chor. Kein Wunder, denn der Chef heißt bei beiden Guido Johannes Rumstadt, auch jetzt im Herbstkonzert stand er am Pult der Meistersingerhalle. Der traditionell graue Konzert-November mit Trauerrand ist auch nicht mehr, was er mal war: anfangs das grelle Halloween, mittendrin der Black-Friday-Konsumrausch und am Ende schon aufgehübscht mit Mengen von Advents-Deko. Da heißt es auch beim Hans-Sachs-Chor: nicht trauergrau, sondern viele Farben. Besonders wenn man nach der Pause mittendrin ist im musikalischen Impressionismus mit seiner Auflösung der Formen und der Dominanz einer Vielzahl von neuen Klangfarben: Debussys "Trois Nocturnes" und Ravels Ballettfragmente aus "Daphnis et Cloé" gerieten unter Mitwirkung des Chors und des engagiert aufspielenden Studierendenorchesters zu Paradestücken dieser Musikepoche. Rumstadt sorgte bei den großen Besetzungen für flüssigen Ablauf (die "Nuages" hätten vielleicht noch ein paar mehr gliedernde Atemzüge vertragen), vertraute auf das jugendliche Temperamentspotenzial, aus dem heraus die großen Crescendobögen bewältigt wurden, für die Ravel im "Bolero" den Maßstab gesetzt hat. Der Chor, besonders der Damenchor bei Debussy, bewährt sich so klangdifferenziert wie möglich bei einer Aufgabe, die sich sonst eher Profichöre zutrauen. Die Steigerung bei Maurice Ravel gelingt mit pulsierendem Klang und hinreißenden Breitwand-Steigerungen: Mit dem Chor ist das ein exotischer Klangzauber wie aus dem Reiseprospekt. An dem weben die diversen Flöten, die beiden Harfen als quasi antikes Instrumentalerbe entscheidend mit.....

Uwe Mitsching

NZ

27.11.2018

Die politische Wirkung eines Glaubensbekenntnisses Mit einem ungewöhnlichen Kooperationspartner bestritt der Hans-Sachs-Chor (HSC) sein Herbstkonzert. Für das Programm gewann man das Sinfonieorchester der Musikhochschule, was insofern folgerichtig ist, als HSC-Chef Guido Johannes Rumstadt ja nicht nur am Staatstheater als Erster Kapellmeister wirkt, sondern zugleich eine Professur für Dirigieren an der Nürnberger Musikhochschule inne hat. Im zweiten Teil des Konzertes - ganz unter französischen Vorzeichen - blieb dem Hans-Sachs-Chor nur eine Nebenrolle. Claude Debussys Klangzauber der "Nocturnes" verlangt erst im dritten Teil nach den Vocalisen eines bis zu achtstimmigen Frauenchores, der sich mit Leidenschaft in verführerische Sirenen verwandelt. Zuvor verbreitete das Hochschulorchester im vorausgehenden Teil der "Fêtes" rhythmisch präzise Festtagslaune. Auch Maurice Ravels "Daphnis et Chloé-Suite Nr. 2" folgt einer Dramaturgie der Steigerung. Im Mittelteil bewiesen die Holzbläser auf den Spuren des Flötengottes Pan Raffinement und Beweglichkeit, während sich der Schlussteil im markanten 5/4 Takt zu einer Apotheose auftürmte, bei der die bis dato vernachlässigten Männerstimmen sich ins Zeug legen durften. Ganz andere Schwerpunkte verfolgte der erste Teil des Konzertes: Gleich zwei Arvo Pärt-Erstaufführungen standen an: Während das "Salve Regina" aus dem Jahr 2001 im typischen Tintinnabuli-Sound ohne Binnenspannung zwischen Chor und Orchester dahintrödelte, geriet das "Credo" aus von 1968 zur explodierenden Revolutionsmusik. Hier verabschiedete sich der Mann aus Tallinn von der Avantgarde und outete sich im religionsfeindlichen Russland als Christ. Das musikalische Manifest provozierte durch den Aufschrei seines Glaubensbekenntnisses: Credo - mit diesem klaren Appell eröffnet der Chor dieses Werk....

Peter Löw

NZ

24.04.2018

Auf dieses Fundament kann man bauen Es gibt ihn also noch, den Mut zu XXL und Oversize. So kommt es einem zumindest vor, wenn der Hans-Sachs-Chor gemeinsam mit den Gesangsfreunden des Haager Toonkunstkoor die Bühne der Meistersingerhalle betritt. Am Ende sind es weit über 200 Sängerinnen und Sänger, die sich wie eine Wand hinter den Nürnberger Symphonikern aufbauen. Ob ein solches Riesenaufgebot auch auf der Bühne des neuen Konzertsaales Platz fände?.... ...Dass diese riesigen Chormassen nicht aus dem Ruder laufen, ist eine der großen Leistungen, die Chorleiter Guido Johannes Rumstadt vollbringt. Wahrnehmbar und gut disponiert sticht das Gesangsquartett (Susanne Bernhard, Susanne Schaeffer, Gunnar Gudbjörnsson und Thomas Faulkner) aus dem Meer der Chorsänger heraus. Dass Beethovens künstlerische Ambitionen noch heute eine große gesangliche Herausforderung für jeden Chor darstellen, ist Teil des Alleinstellungsmerkmals. Kontemplation, Archaik, Hymnik, Dramatik und Symphonik - alles vereinte Beethoven in diesem Werk. Der HSC schenkte den Nürnberger Zuhörern die Erfahrung, wie es klingt, wenn man diese Messe auf das breiteste aller nur denkbaren vokalen Fundamente stellt.

Peter Löw

Nürnberger Nachrichten

24.04.2018

Innige Friedensbitte, Hans-Sachs-Chor gab Beethoven und Schönberg ....Zunächst waren es bei Schönberg der Bassist des Abends, Thomas Faulkner mit seinen ausgeprägten vokalen wie darstellerischen Mitteln, und der vereinigte Männerchor, dazu die Nürnberger Symphoniker, die die Worte, Töne und Klänge des Schrecklichen zu ihrem Anliegen machten. Gut, dass man die textliche Vielschichtigkeit im Programmheft nachvollziehen konnte. Mit ganz anderen Dimensionen musste Dirigent Guido Johannes Rumstadt bei Beethoven umgehen. Ein beeindruckendes Aufgebot von rund 120 Choristen, die Solisten zwischen ihnen und dem Orchester platziert, verschaffte der Aufführung eine solide Basis. Damit ließ Rumstadt das Kyrie der "Missa" mit sanfter Hand und in eindrucksvollen Steigerungen beginnen. Zugleich ließ er von Anfang an keinen Zweifel daran, dass er sich hier nach Händels "Messias" und Bachs "h-moll-Messe" das Werk vorgenommen hatte, das in seinen Dimensionen das ganze 19. Jahrhundert überstrahlt hat und das ihm umso mehr das Kunststück einer gelassen-umsichtigen Disposition abverlangte. So blieb der Chor stets klangschön, wirkte nie überanstrengt: Das "resurrexit" erklang nicht als chorischer Aufschrei, sondern als Beginn festlichen Jubels. Vielfach entstand eine Dramatik der leisen Gespanntheit, jäher Stimmungswechsel und zweifelnder Zwischentöne, weniger die für Beethoven typischen scharfen Abbrüche und Kanten.....

Uwe Mitsching

Nürnberger Nachrichten

02.11.2017

Nürnberger Hans-Sachs-Chor und die Symphoniker führten Mendelssohn Bartholdys Oratorium "Elias" auf. Der Hans-Sachs-Chor, die Nürnberger Symphoniker und ein exzellentes Solistenensemble unter der Leitung von Guido Johannes Rumstadt setzten in der Meistersingerhalle Felix Mendelssohns Oratorium "Elias" als Wechselspiel von formaler Klassizität und lyrisch-dramatischer Expressivität um. ......Der Chor mit seinem gewichtigen Part ist von Rumstadt mit großer Sorgfalt vorbereitet worden, verfällt nirgends ins Skandieren und lässt Abphrasierungen weich nachklingen -romantisch und doch streng und schlank. Mit leidenschaftlicher Souveränität und begeisternder Flexibilität geraten die dramatischen Volkschöre mitreißend und auch die dynamische Finesse in den stimmungsvollen Teilen ist meisterhaft. Die vielen Verzahnungen mit den Solisten gelingen geradezu atemberaubend....

Michael Sikora

Nürnberger Zeitung

02.11.2017

.... Zu den wichtigsten Säulen einer gelungenen Aufführung gehört neben einem gut disponierten Chor, der an diesem Abend unter der Leitung von Guido Johannes Rumstadt keine Fragen aufwarf, auch eine Auswahl vokal hochrangig besetzter Solisten.... .... Nicht Weniges aus diesem Oratorium hat sich in der Chorliteratur verselbstständigt. Deshalb war es ein Erlebnis, Mendelssohns Opus Magnum zu folgen, wie es ursprünglich angelegt war: überschwänglich, dramatisch, kontrastiv, berührend, emphatisch - und vor allem facettenreich. Die weiteren Gesangssolisten (Bernadette Müller, Ida Aldrian, Nayun Kim und Bernhard Schneider) dem Hans-Sachs-Chor und den Nürnberger Symphoniker gelang zwischen Berg Horeb und Eliasí Himmelfahrt ein Hochfest der Musik.

Peter Löw

Nürnberger Nachrichten

22.05.2017

Joseph Haydns Oratorium "Die Jahreszeiten" schleicht sich während des Vorspiels noch aus dem Winter heraus und fängt mit dem Frühling an: Der Aufführungstermin von Hans-Sachs-Chor und Nürnberger Symphonikern war also treffend gewählt, die Meistersingerhalle sehr ansehnlich besetzt, und besonders für das Solistenterzett gab es nach fast drei Stunden frenetischen Applaus.... ...Gerade diese Vielschichtigkeit verlangt nach äußerster Textverständlichkeit: Darum bemühte sich der Hans-Sachs-Chor vorbildlich, Dirigent Guido Johannes Rumstadt ließ ihm und den Solisten als Opernroutinier genüsslich Zeit für viel Anschaulichkeit. Der Chor bewährte sich zwischen pastoser Feierlichkeit, melodischer Grazie und zupackender Präzision bis hin zum "Lustgeschrei" beim "brausenden Most". Das Finale gelang in tiefgründiger "Zauberflöten"-Nähe. Mit so einer Aufführung erübrigt sich die Frage, ob das Oratorium als Kunstform ausgedient hat....

Uwe Mitsching

Nürnberger Zeitung

22.05.2017

..... Haydn selbst hätte es vielleicht gefreut, dass die Solisten der Nürnberger Symphoniker diese geschmacklich grenzwertigen Lautmalereien am Sonntagabend sehr zurückhaltend, ja fast klangschön umsetzten. Bei der Uraufführung hörten sich die Naturgeräusche sicherlich etwas authentischer an. . . Dennoch wurde man dem verspielten Grundton des Werks gerecht. Das ist vor allem dem Hans-Sachs-Chor zu verdanken, der unter Guido Johannes Rumstadt eine kindliche Freude an der farbenfrohen Komposition zeigte. Sei es als enthusiastischer "Chor der Jugend" oder als wackere Jagdgruppe – mit lobenswerter Präzision und Klangfülle vermochte die Nummer eins der Nürnberger Laienchöre abermals zu überzeugen. Auch wenn in der berühmten "besoffenen Fuge" des Trinklieds die Intonation im "Lustgeschrei" untergeht: Hier ist es verzeihlich. Hauptsache, ihr habt Spaß! Spaß hatten sicher auch die Solisten, welche man für den Abend gewinnen konnte. Ein Höhepunkt war, wie kokett und liebenswürdig Tilman Lichdi und Marlis Petersen die Rollen der Verliebten im Duett "Ihr Schönen aus der Stadt, kommt her!" verkörperten. Der bedeutende Bach-Tenor stellte sich an diesem Abend mit seiner sicher geführten, sauberen Stimme und trefflichen Textverständlichkeit das beste Zeugnis aus; die Sopranistin aus Stuttgart hingegen sorgte besonders in den mystisch gehauchten Anfangstakten des sommerlichen Sonnenaufgangs für wohlige Schauer. Einen sonoren, soliden Simon sang der englische Bassist Thomas Faulkner. Der Schlussapplaus war vielleicht nicht der von van Swieten heraufbeschworene "tausendfache Jubelschall", aber doch eine lautstarke, lang anhaltende Beifallsbekundung.

Stefan Candid Depenheuer

Fotos

Carl Orff, De temporum fine comoedia

Eine Entdeckungsreise des Hans-Sachs-Chores Nürnberg zu diesem Werk

Die Vorgeschichte

Im Oktober 2018 erhielt der Hans-Sachs-Chor Nürnberg Kenntnis vom Aufruf der Carl-Orff-Gesellschaft, sich am Carl-Orff-Jahr 2020 zu beteiligen. Als mir unser Chorleiter Professor Rumstadt dann im Januar 2019 vorschlug, in das Frühjahrsprogramm 2020 des Hans-Sachs-Chores als Beitrag zum Carl-Orff-Jahr und als Nürnberger Erstaufführung dieses Werk aufzunehmen, musste ich mich erst einmal sachkundig machen. Bisher hatte der Chor nur die Carmina Burana und Catulli Carmina in seinem Aufführungsverzeichnis.

Bei der vorbereitenden Auseinandersetzung mit dem letzten Bühnenstück von Carl Orff kam dann mehr und mehr Respekt auf und veranlasste mich, den Chorleiter zu fragen: „Traust du das dem Chor zu?“ Als diese Frage mit „ja“ beantwortet wurde, begannen die intensiven Vorbereitungen. Seit der Uraufführung in Salzburg im Jahre 1973 unter der Leitung von Herbert von Karajan wurde „De temporum fine comoedia” in seiner szenischen Konzeption sehr selten aufgeführt. Ich habe sehr zeitnah den Kontakt mit dem Carl-Orff-Zentrum München, Herrn Dr. Thomas Rösch, gesucht und das Angebot der fachlichen Unterstützung sehr gern angenommen. Mir war von Beginn an klar, dass angesichts der umfangreichen Besetzung sowohl der Gesangspartien als auch des Orchesters eine szenische Aufführung ohne finanzielle Unterstützung nicht möglich sein würde. Deshalb haben wir gemeinsam mit Prof. Rumstadt und mit der Hochschule für Musik Nürnberg an einem Besetzungs- und Aufführungskonzept gearbeitet, das den Vorgaben von Carl Orff Rechnung trägt und noch finanzierbar ist. Der Kulturfonds Bayern hat unseren Förderantrag angenommen und die Carl-Orff-Stiftung sowie die Hans-und-Dorothea-Doleschal-Stiftung haben eine finanzielle Unterstützung zugesagt.

Der erste Kontakt mit dem Werk und die ersten Proben ab Januar 2020 machten allen Chormitgliedern deutlich: es handelt sich um ein sehr außergewöhnliches Werk, dessen Einstudierung mit völlig neuen Anforderungen verbunden ist. Nicht alle Chormitglieder fanden Zugang zu diesem schwierigen Stoff und konnten sich kaum vorstellen, eine szenische Aufführung mitzugestalten. Am Ende waren aber fast 60 Mitglieder des Hans-Sachs-Chores aktiv an den Aufführungen beteiligt.

Es wurden zwei Aufführungen in Nürnberg und im Florian-Stadl des Klosters Andechs geplant. Am 14. März 2020 reisten der Regisseur des Projektes, Prof. Rainer Kotzian und ich gemeinsam mit dem an der Vorbereitung der Aufführung in Andechs beteiligten Carl-Orff-Festival, Florian Zwipf-Zaharia zu einer Ortsbesichtigung, die ergab, dass der vorhandene Platz für eine szenische Aufführung nicht ausreichen würde. Zwei Tage später wurde dann in Bayern der Corona-Lockdown ausgerufen und damit mussten alle Vorbereitungen zwangsweise „auf Eis“ gelegt werden. Die danach geplanten Ersatztermine konnten alle wegen der Corona-Auflagen nicht realisiert werden. Erst nachdem es wieder möglich wurde, normale Proben durchzuführen, wurden neue Aufführungstermine festgelegt: Nürnberg, Meistersingerhalle, am 9. Juli 2023 und Weißenburg in Bayern, Bergwaldtheater, am 15. Juli 2023.

Während der intensiven Proben ab Mai 2023 stellten wir fest, dass die während des Corona-Lockdowns 2020 stattgefundenen Zoom-Proben in den einzelnen Stimmgruppen nicht vergeblich gewesen waren. Bei den ersten szenischen Proben gelang es den Chormitgliedern schon erstaunlich gut, auswendig zu agieren und sehr schnell die Vorstellungen der Regie umzusetzen. Zeitgleich fanden die Proben der Sibyllen, der Anachoreten, des Kinder- und Jugendchores und des Sinfonieorchesters der Hochschule für Musik Nürnberg statt.

Orffs Musik
Orffs Stellung in der Musik des 20. Jahrhunderts ist singulär, er gehört keiner „Schule“ oder Richtung an, der Personalstil ist einmalig. Seine Musik wird gemeinhin durch Schlagworte wie „packende Rhythmik“, „eingängige Harmonik“ oder „raffinierte Schlichtheit“ beschrieben. In der Tat sind die pulsierenden Rhythmen und die oft simplen, aber höchst wirkkräftigen Melodiebildungen das Erste, was beim Hören auffällt. Orff setzt viel Schlagwerk ein, er hat gewissermaßen die Grundideen seines Schulwerks ins Künstlerische ausgeweitet. Dabei verzichtet er auf viele Mittel der Kunstmusik, wie etwa Motiventwicklung oder Kontrapunktik, die Musik ist sozusagen unvermittelt da und wird oft auf insistierende Weise wiederholt. Ihre suggestive Wirkung verdankt sie auch dem Einsatz von Stilmitteln „einfacher“ Musik, wie Bordunbegleitung (liegende Bass- oder Akkordtöne), Ostinato (stetige Wiederholung einer musikalischen Figur), dem Rezitieren und Psalmodieren, den Textrepetitionen, der Verwendung alter Skalen (Tonleitern) und anderes mehr – nicht zu vergessen das bayerische Element, besonders auffällig in der Verwendung des „Zwiefachen“ mit seinem Wechsel von Dreier- und Zweierrhythmus. Wichtig ist, dass bei Orffs großen Werken Sprache, Musik und Bewegung eine feste Verbindung eingehen, wobei Ausgangspunkt immer die Sprache ist. Doch es sind Bühnenwerke: Das Element der Bewegung, des Tänzerischen, ist untrennbar mit der Musik verbunden.

Orff verlangt agierende Chöre, die in drei Sprachen singen und sprechen, in Altgriechisch, Latein und Deutsch: vielfach geteilte Frauenchöre (Sibyllen) und Männerchöre (Anachoreten, also Mönche und Eremiten), drei große gemischte Chöre, ein Frauenchor im Orchester (für die Menschen) und ein Knabenchor (Dies illa) – ein Sängeraufgebot mit gewaltigen Herausforderungen. Dann das groß besetzte Orchester: ein gewaltiges Schlagwerk, ergänzt um japanische Tempelglocken und andere exotische Instrumente, 15 Blech- und 13 Holzbläser, drei Harfen, drei Klaviere, Celesta, Orgel. Das gewohnte Instrumentarium des Opernorchesters ist dagegen stark reduziert, zum Einsatz kommen ein Violen-Quartett und Kontrabässe, die selten gestrichen, meistens gezupft oder mit dem Bogenholz bearbeitet werden.

Eine Anmerkung zu Orffs Sprachenvielfalt: Der Komponist war ein zutiefst in humanistischer Bildung verwurzelter Mensch, ein Hin und Her zwischen verschiedenen Sprachen gab es schon in der Carmina Burana. Im heutigen Werk bedeutet die Gleichzeitigkeit der Sprachen die Aufhebung der Zeit: Vergangenes und Gegenwärtiges sind gleichermaßen präsent. Das Griechische kommt aus der größeren Ferne, aus der Welt des Mythos und der Prophetie, Latein ist die Sprache des Christentums, Deutsch schließlich die Sprache des Volkes, also vor allem der angsterfüllten Menschen im Schlussteil.

Orffs Klangmagie resultiert aus der ganz eigenen affektgeladenen Singstimmführung von Chören und Solist*innen und aus der Suggestivkraft der schlagwerkfarbigen Orchestermusik, die auch fernöstliche Mystik, etwa in der Verwendung einer japanischen Tempelglocke, einbezieht: „Sie reicht von flirrenden Klangzügen, harten Interpunktionen und ostinaten Clustern bis hin zu pointilistischen Klangfarbflächen, orchestralen Aufschreien und Klangzeichen als szenische Chiffren“ (Orff-Zentrum München). Bei den Gesangspartien sucht man Melodien im Sinne einer Opernarie vergebens. Die gradlinige Deklamation läuft meist auf ein und derselben Tonstufe oder kreist eng um einen Zentralton.

Dem Violen-Quartett am Ende kommt eine besondere Rolle zu: Im Zusammenspiel mit dem Klang der elf gestimmten Gläser aus dem Schlagzeug schaffen die Violen eine „himmlische“ Atmosphäre. Ein vierstimmiger Kanon der Violen kreist um sich selbst und kehrt im Krebsgang zu seinem Anfang zurück. Sinnbildhaft schließt der 78-jährige Orff seinen ganz persönlichen Kreis: Er erinnert sich an seine Anfänge, als er alte Meister für sich entdeckte und studierte.

Die drei Teile seines 1973 in Salzburg uraufgeführten Werks hat Orff mit den Titeln „Die Sibyllen“, „Die Anachoreten“ und „Dies illa“ versehen. „Die Sibyllen enthalten eine Summe von altgriechischen, jüdischen, hellenistischen und christlichen Vorstellungen. Die Anachoreten-Szene verkündet – frei nach Origenes – die Allversöhnung, die auch für den Teufel gelten soll. Einer der Anachoreten singt den lateinischen Satz: Omnium rerum finis erit vitiorum abolitio, den Orff so übersetzt: ,Das Ende aller Dinge wird aller Schuld Vergessung sein.‘ Am Ende steht eben nicht Dies irae (Tag des Zorns), sondern Dies illa (jener Tag). Mit großem musikalischen Getöse tritt Luzifer auf, mit dem die Musik sich auch sofort verändert. Er bekennt dreimal Pater peccavi (Vater ich habe gesündigt) und wird in den Urzustand seines Engelsseins zurück verwandelt. Es folgt die totale Spiritualisierung der Welt. Das Stück endet mit Musik ohne Sprache. Die Zeitlosigkeit des am Ende der Zeiten folgenden Dies illa wird in Töne umgesetzt. Im Hintergrund steht freilich der Choral Vor deinen Thron tret‘ ich hiermit. Hier wird die apokalyptische Musik zu einer Allversöhnung geführt“ (aus: Josef Wohlmuth, Mysterium der Verwandlung. S. 93).

Resümee
Alle Beteiligten waren froh und glücklich, dieses Projekt realisiert zu haben. Der Aufwand hat sich gelohnt und beide Aufführungen wurden mit viel Beifall und Lob bedacht. Hervorgehoben wurde die wunderbare Umsetzung dieses großen und schwierigen Werkes, die tolle Gemeinschaftsleistung und die spielerische Hingabe.

In der Nürnberger Presse wurde nach der Aufführung eine umfangreiche Besprechung veröffentlicht. Folgender Auszug war zu lesen: „[…] damit hatten sich der Hans-Sachs-Chor, die Gruppe der solistisch agierenden Studentinnen und Studenten der Musikhochschule eine große und szenisch wie musikalisch ganz ungewöhnliche Aufgabe gestellt. Äußerste spielerische Hingabe, hervorragende Deklamation in der Orffschen Klangsprache und sogar das individuell einstudierte Altgriechisch verhalfen diesem Vorhaben zu überwältigenden Momenten: Chorkonzerte können ganz anders sein und einen ziemlich perplex zurücklassen. Der Beifall zeigte: auch begeistert“ (Uwe Mitsching, Nürnberger Nachrichten, 11.07.2023).

Die Leistungen der Studentinnen und Studenten der Hochschule für Musik, der Kinder und Jugendlichen der Kantorei Nürnberg, der Amateursängerinnen und -sänger des Hans-Sachs-Chores sowie des ganzen Vorbereitungs- und Technikteams sind nicht hoch genug zu bewerten, dieses ganz besondere Werk von Carl Orff vor dem Hintergrund der gesellschaftlichen und weltpolitischen Ereignisse aufgeführt zu haben.

Michael Langer, Margit Felscher
04.09.2023